Cassandra Miller est une compositrice canadienne qui vit à Londres. Ses compositions notées explorent souvent la transcription en tant que processus créatif, par lequel les qualités vocales expressives de la musique préexistante sont à la fois magnifiées et transfigurées. D'autres compositions prennent parfois la forme de collaborations et combinent le chant automatique et le mimétisme pour créer des espaces vulnérables et hospitaliers pour une écoute profonde.
Décrite par The Observer comme « généreuse, engageante et différente de tout le reste », sa musique a été jouée par EXAUDI, l'Ensemble Resonanz, l’Orchestre symphonique de la ville de Birmingham (« Birmingham Symphony Orchestra »), l'Ensemble Plus-Minus, l’Apartment House, La Nuova Musica, le Continuum Contemporary Music et l'Orchestre symphonique de Londres (« London Symphony Orchestra »). Ses œuvres ont été présentées au Wigmore Hall (Londres), au festival Archipel (Genève), à TIME:SPANS (New York), à Music We'd Like to Hear (Londres), au Klangspuren Schwaz, au festival Transit (Louvain), à Music on Main (Vancouver), au Núcleo Música Nueva de Montevideo et au festival d'automne de Varsovie.
Créée en 2015 au festival Tectonics par Charles Curtis avec l'Orchestre symphonique écossais de la BBC et Ilan Volkov, l'œuvre de Miller Duet for Cello and Orchestra a été saluée comme l'une des « meilleures œuvres de musique classique du XXIe siècle » par The Guardian. Round, composée pour l'Orchestre symphonique de Toronto (« Toronto Symphony Orchestra ») et André de Ridder, a été créée en 2016. Parmi les autres œuvres de grande envergure, citons A Large House pour orchestre à cordes et percussions, qui a été interprétée aux Journées d'Ostrava en 2009 par le Janáček Philharmonic et Peter Rundel.
Miller entretient une relation particulièrement étroite avec le Quatuor Bozzini, pour lequel elle a écrit plusieurs pièces, dont Warblework et About Bach. Ce dernier a reçu le prix Jules-Léger 2016 pour la nouvelle musique de chambre. Il a également reçu l'un des 2021 Awards for Artists de la Paul Hamlyn Foundation et un deuxième prix Jules-Léger pour Bel Canto en 2011. Parmi ses autres proches collaborateurs figurent la violoniste Mira Benjamin (for mira, 2012), Philip Thomas (Philip the Wanderer, 2012) et Juliet Fraser, avec qui Miller a créé le projet Tracery et qui figure sur un disque entièrement consacré à Miller, « Songs about Singing », sur le label all that dust. Deux disques-portraits de Another Timbre ont été largement salués, figurant notamment dans la liste du New Yorker's Ten Notable Recordings of 2018.
Parmi ses œuvres récentes, citons Thanksong (2020) pour Juliet Fraser et le Quatuor Bozzini, Perfect Offering (2020) pour l'Ives Ensemble, et La Donna (2021) pour l'Orchestre symphonique de Barcelone (« Barcelona Symphony Orchestra ») et Ruth Reinhardt. La Donna a également été interprétée par l’Orchestre symphonique de la ville de Birmingham (« Birmingham Symphony Orchestra ») et Finnegan Downie Dear ; elle sera présentée en première au Canada au cours de la saison 23/24 par le Vancouver Symphony Orchestra et Otto Tausk. I cannot love without trembling, le concerto pour alto de Miller pour Lawrence Power a été présenté en première au Brussels Philharmonic et Ilan Volkov en 2023, ainsi qu’au Royaume-Uni par le Scottish Chamber Orchestra et John Storgårds.
En 2025, elle sera chorégraphiée par Or Schraiber et Bobbi Jene Smith pour la GöteborgsOperans danskompani. La saison 2024/25 voit également Sean Shibe et l'Australian Chamber Orchestra tourner Chanter - présentée en première par Shibe et Dunedin Consort au printemps 2024 - ainsi que la première finlandaise de Swim de Ryan Bancroft et Tapiola Sinfonietta, et d'autres interprétations de l'œuvre par le Vancouver Symphony et Otto Tausk.
Miller a étudié à l'université de Victoria (Christopher Butterfield) et au Conservatoire royal de La Haye (Richard Ayres et Yannis Kyriakides), en privé avec Michael Finnissy, et est titulaire d'un doctorat de l'université de Huddersfield (sous la direction de Bryn Harrison). De 2018 à 2020, Miller a été directeur adjoint de la composition à la Guildhall School of Music and Drama, où il dirigeait le programme de premier cycle.
Verse 1: To love purely is to consent to distance
Verse 2: I cannot love without trembling
Verse 3: Buried deep under the sound of his own lamentations is the pearl of the silence of God
Verse 4: Absolutely unmixed attention is prayer
Cadenza: Stars and blossoming fruit trees: Utter permanence and extreme fragility give an equal sense of eternity
In the last year of her life, the French philosopher Simone Weil wrote in a letter to her friend Gustave Thibon, ‘Human existence is so fragile a thing and exposed to such dangers that I cannot love without trembling.’ In Gravity and Grace (published posthumously by Thibon), Weil wrote about the nature of distance and separation, expanding on Plato’s concept of metaxu—i.e. that which both separates and connects—grounding her mystical philosophy in the idea (to summarise crudely) that every absence can be interpreted as presence. ‘Every separation is a link.’
Thirty years earlier, following a period of upheaval as Greece resisted Ottoman rule, the Epirot violinist Alexis Zoumbas left his mountain home in Northern Greece for the USA. In New York, he recorded his mournful shimmering music—including several examples of moiroloi, an improvisatory composition of keening gestures and flickering flame-like ornamentation. The moiroloi compositions refer to the moirologia funeral laments of the women of Epirus, and invoke the feeling of xenatia (a Greek word which translates to English as ‘a catastrophic longing for home’). In these recordings, one can clearly hear the immigrant’s connection to the reality-presence of home, through the act—as in Weil’s metaxu—of singing its absence.
This concerto is about the basic human need to lament, that is, to speak the distance / sing the separation (in a trajectory loosely narrated by the Weil quotations that name each of the concerto’s sections). It is also about Alexis Zoumbas. Using one of his moiroloi recordings as a source, I sang-along many times (first to Zoumbas, then to myself) in a ritualised, meditative process I call ‘automatic singing’. This method transformed the moiroloi into the violist’s trembling-loving-mourning sighs. Within Zoumbas’ plaintive song, I sought a metaphysical space in which to dream —a space of separation-connection-absence-presence—in the hope to lament and to dream together in this hall tonight.
Cassandra Miller