Bent Sørensen est l’un des compositeurs les plus joués et admirés en Europe du Nord. Son triple concerto L’isola della Città a reçu le Grawemeyer Award for Music Composition 2018, dont on dit qu’il est le prix Nobel de composition.
La musique de Sørensen est reconnaissable en un instant. Signe de son influence et de sa singularité, ses caractéristiques sonores ont été imitées d'innombrables fois.
Le compositeur danois s'est fait connaître pour la première fois dans les années 1980. Il a trouvé sa voix très tôt et n'a jamais changé de direction. « Si l’on devait dessiner le style de Sørensen », a écrit son collègue compositeur Karl Aage Rasmussen « son développement ressemblerait aux anneaux de croissance d’un arbre ».
Son style a commencé à s’imposer sur la scène musicale européenne avec la première représentation de son concerto pour violon, en 1993, Sterbende Gärten (« Jardin en décomposition »), qui a ensuite remporté le Prix de musique du Conseil nordique. La note de programme du compositeur relative cette pièce fait référence aux fresques délabrées et décolorées autour de Florence et de Rome. « La façon dont la culture devient nature au fil du temps a été une source d'inspiration pour toutes mes pièces », a écrit Sørensen.
La musique de Sørensen flotte et se diffuse d’elle-même, hantée par le souvenir des choses du passé et souvent entraînée dans le profond chagrin que peut induire une beauté exquise. Le silence est devenu la base esthétique d’une grande partie de l’œuvre de Sørensen, le « mur blanc » qui devient de plus en plus important à mesure que les récits du compositeur se résolvent ou, plus probablement, se dissolvent.
Parfois, une partition de Sørensen demande à un orchestre symphonique entier de déposer ses instruments et de fredonner doucement ensemble. Parfois, il demandera aux musiciens de l’orchestre de quitter la scène, un par un, jusqu’à ce qu’il n’en reste plus qu’un ou deux.
On pourrait dire que de nombreuses œuvres de Sørensen tendent à trouver du réconfort juste au moment où il est trop tard. Dans son Concerto pour trompette, l'instrument soliste découvre toute sa voix une fois le morceau effectivement terminé. Dans son concerto pour piano La mattina, le piano tente de chanter le choral luthérien Ich ruf' zu dir, Herr Jesu Christ mais ne trouve la confiance nécessaire pour le faire que pendant huit secondes, juste au moment où le rideau tombe. Dans L’isola della Città (2017), le trio de solistes joue enfin une consonance, une simple triade en sol mineur, au moment même où le concerto s’évapore.
En dépit de son extrême fragilité émotionnelle, la musique de Sørensen est celle d’une pure indulgence esthétique, remplie d’autant de beauté qu’il est possible de le faire avec goût. C'est un compositeur moderniste qui adore les intervalles tonals et se laisse séduire par la forme simple d'une chanson ou d'un hymne. Un respect spectral pour la couleur et la texture se cache sous les principes harmoniques et schématiques de Sørensen, rendant l’espace aussi important que le temps.
Dans les mouvements complémentaires pour le Requiem inachevé de Johannes Ockeghem - que Sørensen a écrit pendant toute sa carrière jusqu’en 2012 – nous entendons le fil conducteur de la polyphonie de la Renaissance que le compositeur aime tant. Mais il est rendu par le maculage harmonique caractéristique de Sørensen ; la musique est tiraillée entre une tonalité chaleureuse et romantique et une atonalité riche et « Schoenbergienne ». L’œuvre a jeté les bases du magnum opus choral de Sørensen, Passion selon saint Matthieu (2021).
Sørensen a travaillé dans tous les genres de musique classique et a repoussé leurs limites. Son concerto pour orchestre, chœur, acteurs et public de 2009, Sounds Like You, a été conçu en partie pour l’extraordinaire auditorium du DR Concert Hall de Jean Nouvel à Copenhague où les musiciens et les acteurs seront plantés dans une grande salle de concert irrégulière. La pièce entraîne son public dans un rêve existentiel envoûtant.
Son opéra complet Under Himlen (« Sous le ciel ») a été créé au Royal Danish Opera en 2004, quatre ans après que son concerto pour piano pointilliste La notte (2008) ait été interprété pour la première fois par l'Orchestre symphonique de la BBC et Rolf Hind.
L’isola della Città (« L’île dans la ville »), pour grand orchestre et trio avec piano, regorge de marques de fabrique de Sørensen. Une fugue de Beethoven dérive dans la musique comme un fantôme passant par une fenêtre, tandis que toute la section des vents est invitée à jouer des instruments secondaires (dans ce cas, des blocs de bois). Les textures distillées par l’œuvre atteignent les nouveaux sommets d’un raffinement porté par le vent, en tandem avec le contrepoint néoclassique signature du compositeur. Le sentiment de puissance orchestrale latente dans la pièce a incité Sørensen à commencer à travailler sur une nouvelle symphonie, Deuxième Symphonie (2019), pour faire suite à Symphonie (1996).
L’œuvre orchestrale de Sørensen, Evening Land (2017), a été écrite pour le New York Philharmonic puis jouée dans tout le Japon par l’Orchestre Symphonique National Danois sous la direction de Fabio Luisi.
Il a aussi écrit pour des ensembles tels que l'Orchestre philharmonique de Bergen, l'Orchestre symphonique national danois, la Chambre de Munich et divers orchestres de la BBC.
En 2011, il est compositeur en résidence au Huddersfield Festival of Contemporary Music.
Sørensen a également été professeur invité de composition à la Royal Academy of Music de Londres et professeur de composition à la Royal Danish Academy of Music de Copenhague.
Andrew Mellor, 2021
Texte traduit de l’anglais
Three soloists gather into one trio, which then becomes one compound soloist. A chamber ensemble surrounded by an orchestra – an island in the middle of the city.
The Triple Concerto is in five movements that are linked together and played without intermissions. Three short movements – a prelude, an intermezzo and a farewell – position themselves around in between the diverse second movement, which is initiated by something as strange – for me – as a piano fugue, and the impetuous and scherzo-like fourth movement. In all movements the island tries to escape from the city’s shadows – the trio seeks to escape the orchestra. In the fifth movement the trio’s yearning to get away from the orchestra is obvious as it silently and introverted glides away and out of the orchestra’s noisy shadows.
L’Isola della Cittá – The Island in the City is written for Trio con Brio and commissioned by The Danish Radio Symphony Orchestra and Trondheim Chamber Music Festival.
This is not a ’Symphony no. 2’. It is a Second Symphony.
For several rather inexplicable reasons it is important to me not “just” to number the symphonies in order to emphasize the genre. Titles, more importantly than genres, are part of my dreams – the dreams that become music. And Second Symphony is definitely both a title and part of a dream.
I thought exactly the same when I composed (and now I almost wrote: "the first") Symphony in 1996.
Second Symphony is in four movements. The first movement opens with a scream. The subsequent parts of the movement form a unified but complex whole, where traces from the coming movements turn up – constantly in interaction with the scream and its echoes.
The second movement is slow and rather melodious. It was actually performed in a “trailer version” – shortened and minimized in December 2018 in the Danish TV programme Deadline.
The third movement is a scherzo – teeming, rhythmic, with almost physical soft and violent meetings, like acts of love between the different layers of music.
The last movement is a farewell song – a goodbye. A musical ship is approaching only to disappear again. Where I perceive the preceding movements as highly contemporary, there is a touch of the past in this last movement – my past. I quote my fourth string quartet Schreie und Melancholie, and in this movement I was also influenced by the fact that my mother passed away during the composition of this piece. Maybe this is my farewell that I write in music.
Bent Sørensen
"Around 2014, it struck me: what I most wanted to compose was a St. Matthew Passion.
When you reach a certain age, you become aware, as a composer, that you will not be able to compose it all, that there is a limit. So, without telling anyone, possible commissioners, institutions, etc., I decided that everything I was going to compose from then on, was going to lead me to a St. Matthew Passion.
Obviously, that is not exactly how things happened. In the meantime, I composed many works that have nothing to do with a St. Matthew Passion; but in between my “main works”, there are a few smaller ones for choir, that I said yes to, because I could see them as steppingstones toward my goal.
Through these works – through these years – shape and moods for my Passion gradually took form, until I had enough steppingstones to announce I wanted to compose a Passion, that led to a co-commission between Oslo International Church Music Festival and the Danish National Symphony Orchestra. The world premiere was planned for 22. March 2020, but due to the pandemic, the world premiere will now be 12. March 2021.
In 2018, I was finally ready, having enough fragments to start the final work of my Passion, and I contacted Jakob Holtze and asked him to create a text for the work, based on many ‘hurdles’, wishes and fragments. Holtze had previously worked with my good friend and colleague, sadly now deceased, Sven-David Sandstrøm, and created the libretto for his St. John Passion.
The idea for my Passion was a journey, a sort of crucifixion. A journey in the mist – in and out of the light. A journey towards crucifixion, but even more a journey towards resurrection. I felt my own faith, a faith in resurrection, rather than death and crucifixion.
In the music – and in my choice of texts – lies a love passion. Not only Christ’s love declaration to all humankind, through crucifixion and resurrection, but also the simple and beautiful love. The passion for the people we love. The passion one feels for the one we love.
I had – as I mentioned – a feeling of journeying towards the Cross – travelling in and out of the mist. A feeling of looking to the sides, out far to see and read fragments of texts – like graffiti on buildings, house walls. Texts that would remind the wanderer of the situation – life, memories. Almost as when we listen to pop-song lyrics, that are about us, whilst in the middle of our passions – about falling in love, grief.
I also decided, together with Jakob Holtze – that the text should be in English with a few Latin passages (Crucifixus, Miserere, etc.), I had in fact already started looking for English texts with the word ‘mist’ during my steppingstones. I also decided that I didn’t want recitativi, like in Bach’s Passion when Matthew is present. In my Passion I have texts by Matthew, but I have primarily chosen texts by six poets, three women: Södergran, Akhmatova and Dickinson, and three Danish men: Frank Jæger, Ole Sarvig and especially the luminous (and my friend) Søren Ulrik Thomsen.
Based on my wishes, Holtze created exactly the text I was hoping for. Ten movements – from ‘In Veils of Mist’ – where we walk in the mist, to ‘Betania’, ‘Psalm’, ‘Wild Nights’, ‘Crucifixus’, ‘Lament’, ‘Tenebrae, ‘Magdalena’, ‘The Shore Againg’ – a circular journey with memories of the coast, the dark, love and crucifixion – towards ‘Into the mist’, where the journey again disappears with these final words by Søren Ulrik Thomsen: “...the sound of my footsteps goes on, into the mist’.
It is clear, when one composes a St. Matthew Passion, that one is working toward the unachievable. Bach’s St. Matthew Passion is maybe the greatest work of art in any genre ever to be created in our culture.
There are certainly shadows of Bach in this work, but only one hidden quote. When they sing “My God, my God, why have you forsaken me?”, Bach’s recitativo melody lies beneath my own."
- Bent Sørensen