Désigné comme "brut, élémentaire" et "richement satisfaisant" par le New York Times, son travail explore la source cinétique du son, mettant en lumière l'acte musculaire de la musique et les comportements chaotiques de la matière acoustique brute. Finaliste du Prix Pulitzer 2016 en musique, Ashley Fure a également remporté le Prix du Centre Lincoln pour les artistes émergents 2018, le Prix DAAD 2017 des artistes de Berlin, le Prix de Rome en composition musicale 2017, la Bourse Guggenheim 2017, la Fondation pour l'art contemporain 2016 Grant for Artists, une subvention de la Siemens Foundation Commission 2015, un prix Kranichsteiner Composition 2014 de Darmstadt, un prix Busoni 2014 de l'Akademie der Künste à Berlin, une bourse de recherche post-doctorale Mellon 2014 de l'Université Columbia, une bourse Fulbright 2013 en France, Le Prix international de composition Impuls 2013, un Darmstadt Stipendienpreis 2012, un honoraire Staubach 2012, un prix Jezek 2011 et une résidence de 10 mois à l'Akademie Schloss Solitude en 2011.
Elle reçoit des commandes de grands ensembles d'Europe et des États-Unis, notamment le New York Philharmonic, le Los Angeles Philharmonic, le Klangforum Wien, l'Ensemble Modern, le Diotima Quartet, l'Innational Contemporary Ensemble, le Talea, le San Francisco Contemporary Music Players et Dal Niente.
Parmi ses projets récents, notons Filament : for Trio, Orchestra et Moving Voices, salués comme «captivants» et «ravissants» par le New York Times après sa création au gala de la saison 2018 du Philharmonique, The Force of Things : un opéra immersif multimédia qualifié d’ «étonnamment original» et «la sortie de théâtre-musical la plus purement viscérale de l'année» dans The New Yorker; et Bound to the Bow, pour orchestre et électronique, qualifié de «singulièrement audacieux» par le New York Times et de «la plus remarquable de toutes les créations mondiales» à la Biennale du Philharmonique 2016 de New York dans le New Yorker.
Commissioned by the New York Philharmonic for its 2018 opening gala, Filament occupied a unique position on that season’s roster, offering the first note conducted on the first concert of the first season under the artistic direction of maestro Jaap Van Zweden.
The work is scored for orchestra, three amplified soloists (bassoon, trumpet, and double bass) and fifteen moving voices. The soloists perform from pedestals triangulated across the stage and audience while the singers move throughout the hall, projecting their voices through custom 3-D printed megaphones that both amplify and directionally focus each vector of sound.
The goal of these bodies in the space is threefold: 1) to democratize proximity and spread access to the intimacy of performance throughout the hall, 2) to create a dynamic spatialization of sound whose angles and arrays shift around the audience in real time, and 3) to activate a theater of the social – toying with the codes of access and intrusion that bind the orchestral ritual.
Throughout the piece these distinct forces — orchestra, soloists, and singers — call out to each other across the void, from edge to edge, from periphery to center, tuning toward and pushing against one another as the work unfolds.