Cassandra Miller is a Canadian composer living in London. Her notated compositions often explore transcription as a creative process, through which the expressive vocal qualities of pre-existing music are both magnified and transfigured. Other compositions sometimes take the form of collaborations and that combine automatic singing and mimicry to create vulnerable and hospitable spaces for deep listening.
Described by The Observer as ‘generous, engaging and unlike anything else’, her music has been performed by EXAUDI, Ensemble Resonanz, City of Birmingham Symphony Orchestra, Ensemble Plus-Minus, Apartment House, La Nuova Musica, Continuum Contemporary Music, and the London Symphony Orchestra. Works have been presented at Wigmore Hall (London), Archipel Festival (Geneva), TIME:SPANS (New York), Music We’d Like to Hear (London), Klangspuren Schwaz, Transit Festival (Leuven), Music on Main (Vancouver), Núcleo Música Nueva de Montevideo, and the Warsaw Autumn Festival.
Premiered at the 2015 Tectonics Festival by Charles Curtis with the BBC Scottish Symphony Orchestra and Ilan Volkov, Miller’s Duet for Cello and Orchestra was hailed as one of the ‘best classical music works of the 21st century’ by The Guardian. Round, composed for the Toronto Symphony Orchestra and André de Ridder, was premiered in 2016. Other large-scale pieces include A Large House for string orchestra and percussion, which was premiered at Ostrava Days in 2009 by the Janáček Philharmonic and Peter Rundel.
Miller enjoys a particularly close relationship with Quatuor Bozzini for whom she wrote several pieces including Warblework and About Bach. The latter was awarded the 2016 Jules-Léger Prize for New Chamber Music. Other prizes include one of the Paul Hamlyn Foundation’s 2021 Awards for Artists and a second Jules-Léger Prize for Bel Canto in 2011. Other close collaborators include the violinist Mira Benjamin (for mira, 2012), Philip Thomas (Philip the Wanderer, 2012) and Juliet Fraser, with whom Miller created the Tracery project and who features on an all-Miller disc ‘Songs about Singing’ on the all that dust label. Two portrait discs from Another Timbre have received wide acclaim, including being featured on New Yorker’s Ten Notable Recordings of 2018.
Recent works include Thanksong (2020) for Juliet Fraser and Quatuor Bozzini, Perfect Offering (2020) for Ives Ensemble, and La Donna (2021) for the Barcelona Symphony Orchestra and Ruth Reinhardt. La Donna has also been performed by the City of Birmingham Symphony Orchestra and Finnegan Downie Dear; it will receive its Canadian premiere in the 23/24 season from the Vancouver Symphony Orchestra and Otto Tausk. I cannot love without trembling, Miller's viola concerto for Lawrence Power, premiered with the Brussels Philharmonic and Ilan Volkov in 2023, and received its UK premiere from the Scottish Chamber Orchestra and John Storgårds.
In 2025 it will be choreographed by Or Schraiber and Bobbi Jene Smith for GöteborgsOperans danskompani. The 2024/25 season also sees Sean Shibe and the Australian Chamber Orchestra tour Chanter - premiered by Shibe and Dunedin Consort in spring 2024 - as well as the Finnish premiere of Swim from Ryan Bancroft and the Tapiola Sinfonietta, and further performances of the work from the Vancouver Symphony and Otto Tausk.
Miller studied at the University of Victoria (Christopher Butterfield) and the Royal Conservatory of the Hague (Richard Ayres and Yannis Kyriakides), privately with Michael Finnissy, and holds a doctorate from the University of Huddersfield (supervisor, Bryn Harrison). From 2018 to 2020 Miller was Associate Head of Composition at the Guildhall School of Music and Drama, leading the undergraduate programme.
« I cannot love without trembling
(Je ne peux pas aimer sans trembler)
pour alto et orchestre
Verset 1 : Aimer avec pureté, c'est consentir à l'éloignement
Verset 2 : Je ne peux pas aimer sans trembler
Verset 3 : Sous le bruit de ses propres lamentations se cache la perle du silence de Dieu.
Verset 4 : Une attention absolument sans mélange est une prière
Cadence : Les Étoiles et les arbres fruitiers en fleurs : La permanence absolue et l'extrême fragilité donnent un même sentiment d'éternité
Dans la dernière année de sa vie, la philosophe française Simone Weil écrivait dans une lettre à son ami Gustave Thibon : « L'existence humaine est une chose si fragile et exposée à de tels dangers que je ne peux pas aimer sans trembler ». Dans Gravity and Grace - La Pesanteur et La Grâce (publié à titre posthume par Thibon), Weil a écrit sur la nature de la distance et de la séparation, développant le concept de metaxu de Platon - c'est-à-dire ce qui à la fois sépare et relie - en fondant sa philosophie mystique sur l'idée (pour résumer grossièrement) que toute absence peut être interprétée comme une présence. « Chaque séparation est un lien. »
Trente ans plus tôt, à la suite d'une période de bouleversements due à la résistance de la Grèce à la domination ottomane, le violoniste épirote Alexis Zoumbas a quitté sa région montagneuse du nord de la Grèce pour s'installer aux États-Unis. À New York, il a enregistré sa musique chatoyante et lugubre, y compris plusieurs exemples de compositions moiroloi, une composition improvisée faite de gestes vifs et d’ornements vacillants semblables à des flammes. Les compositions moiroloi, et invoquent le sentiment de moirologia , les complaintes funèbres des femmes d'Épire et évoquent le sentiment de xenatia (un mot grec qui se traduit en français par « une nostalgie catastrophique du foyer » - « a catastrophic longing for home »). Dans ces enregistrements, on peut clairement entendre le lien de l'immigré avec la réalité-présence du foyer, à travers l'acte - comme dans le metaxu de Weil - de chanter son absence.
Ce concerto traite du besoin humain fondamental de se lamenter, c'est-à-dire de parler la distance /de chanter la séparation (dans une trajectoire librement racontée par les citations de Weil qui nomment chacune des sections du concerto). Il s'agit également d'Alexis Zoumbas. En utilisant l'un de ses enregistrements moiroloi comme source, j'ai chanté plusieurs fois (d'abord pour Zoumbas, puis pour moi-même) dans un processus ritualisé et méditatif que j’appelle « chant automatique ». Cette méthode transforme le moiroloi en soupirs tremblants-amoureux-deuil de l'altiste. Dans le chant plaintif de Zoumbas, j'ai cherché un espace métaphysique dans lequel rêver - un espace de séparation-connexion-absence-présence - dans l'espoir de se lamenter et de rêver ensemble dans cette salle ce soir.