Over the past ten years, Marc-André Dalbavie has risen to prominence as a leading voice among the new generation of French composers. Born in 1961 in Neuilly-sur-Seine, Dalbavie had his first music lessons at the age of six. By the time he was twenty, he was studying at the Paris Conservatory of Music where he later graduated in several disciplines and won several major prizes. In 1984 he attended Franco Donatoni’s class in Siena, and in 1985 joined the research department at IRCAM, where he learned the basic of digital synthesis and computer-assisted composition. In 1987, he studied conducting with Pierre Boulez. In the early 1990’s, he moved in Berlin at the invitation of the German Academy Austauschdienst (DAAD exchange programme) and in 1994 he was awarded with the Rome Prize. In 1986, he conducted the Paris premiere of his first major piece: Diadèmes (a commission of the French government), at the Centre Pompidou. Since then, his music has been performed all over the world. In 1988, Pierre Boulez conducted Diadèmes at the Brooklyn Music Academy. More recently, the piece has been played by the London Sinfonietta at the Queen Elizabeth Hall, later at the Los Angeles Philharmonie, and at the Helsinki Festival under the direction of Esa-Pekka Salonen. Also played in Moscow, London, Berlin and Tokyo among others.
In 1994 Pierre Boulez conducted Seuils at the Salzburg Festival. In 1995 Offertoires, for men’s choir and orchestra was performed by the Israel Philharmonic Orchestra. In 1996 Eiichi Chijiiwa, violin, and the Orchestre National de France premiere Concerto pour violon in Donaueschingen (Germany).
In 1997 Marc-André Dalbavie was appointed professor of orchestration at the Paris Conservatory of Music. That same year, he was awarded with the Berlin Philharmonic Salzburger Osterfestspiele Prize. His opera Correspondances and Non-lieu for women’s choir and instrumental ensemble was premiered respectively in Mulhouse (France) and Stuttgart (Germany).
In December 1998, the “USA Today” designated Marc-André Dalbavie “Best Young Composer of the Year”. The Cleveland Orchestra appointed him ‘Daniel Lewis composer Fellow’ serving for the next two years. He was commissioned several pieces, one of which will be later conducted by Pierre Boulez during the 2000/2001 concert season of the Chicago Symphony Orchestra.
In May 1999 premiere of his concerto for orchestra, The Dream of the Unified Space, by the
Minnesota orchestra, conducting by Eiji Oue. The same year he also composed for the clarinettist Sabine Meyer, Antiphonie, a concerto for clarinet, basset horn and orchestra, which was premiered by the Rheinischer Philharmonie Staatsorchester (Germany). In 2000 he was in residence with the Minneapolis Orchestra. At the Summer Festival, M-A Dalbavie conducted the premiere of Sextine Cyclus, with soprano Joanna Mongiardo. Back in Paris in 2001, premiere of Mobiles, for choir and instrumental ensemble, with the Ensemble InterContemporain and Accentus chamber choir. He was also in residence with the Orchestre de Paris for four seasons. French premiere of Concertate il suono.
In 2002 New York premiere, at the Carnegie Hall of Color, work commissioned and performed by the Orchestre de Paris, under the direction of Christophe Eschenbach.
Dalbavie worked on several project commissioned by major institutions and orchestras, such as Cleveland Orchestra, Chicago, the ‘Proms’, Berlin Philharmonie, Montreal and Zurich Tonhalle, NHK of Tokyo, Carnegie Hall of New York.
In January 2004 M-A Dalbavie won the Chevalier des Arts et Lettres award, given by the French Ministry of Culture.
February 2005 invited at the « Présences » festival. Musical creation’s festival. Premiere of Sinfonietta and Comptine and performance of 17 other works of his catalogue.
Release of his book « Le son en tout sens ».
2006 premiere of the Concerto pour piano and orchestra, commissioned by the BBC for the Proms and « Carte Blanche », at the Suntory Hall of Tokyo, with the premiere of Variations Orchestrales by the Tokyo Philharmonic Orchestra.
2007, premiere of La Source d’un Regard, commissioned by the Royal Concertgebouw from Amsterdam.
2008, premiere of Sonnets by P. Jaroussky and the Orchestre National de Lyon, conducting
by T. Fischer.
Grammy Award nomination for the “best classical contemporary composition” for his record Concerto pour flûte and orchestra. Performed by Emmanuel Pahud and the Orchestre Philharmonique de Radio France, conducting by Peter Eotvos.
Cd release, Variations orchestrales, Sinfonietta and Rocks under the water by the Philharmonic Orchestra of Monte carlo, conducting by Marc-André Dalbavie.
As early as 1982, M-A Dalbavie, along with several other composers of his generation, started exploring the potential of spectral music, most specifically the redefinition of timbre and the concept of process. He has enriched these compositional techniques with polyphony and rhythm, combined with principles of recurrence, and worked on heterogeneity through the means of electronics, making use of all applications of computer music and acoustics.
While timbre and color marked his work in the 1980s (Miroirs transparents, Diadèmes...), the 1990s are remarkable for his innovative use of space, place and context. Seuils is one of the first landmarks of this period, with electronic sound sources placed all around the audience and a text referring to the space in which it is used. The piece also marked the beginning of the composer’s collaboration with author Guy Lelong, continued with Non-lieu and Mobiles and the musical event Correspondances, in collaboration with artist and stage-director Patrice Hamel. The use of baroque instruments links Concertino to 17th century composer Matthew Locke’s Curtain Tune. Offertoire for men’s choir and symphony orchestra suggests virtual spaces simulated by the choir-writing. Concerto pour violon launched a series of pieces based on the spatialization of the orchestra. In Non-lieu, for example, the stage is totally empty; the four women’s choirs as well as the instrumental ensemble are placed selectively throughout the hall. The Dream of the Unified Space, Antiphonie and Concertate il Suono, composed respectively for the Minneapolis Orchestra, the Rheinpfalz Orchestra, and the Cleveland Orchestra, all develop the concept of the movement of sound in space. And Mobiles, for choir and orchestra, a site-specific composition for the Cité de la Musique in Paris, starts with the confused noise of conversations - seemingly coming from the audience - rising above the sound of the orchestra tuning up. During his residence at the Orchestre de Paris, Dalbavie, like other composers of his generation, turned again to symphonic writing, with the avowed aim of opening new perspectives and building up a repertoire which brings orchestral writing resolutely into modernity. What better proof of the composer’s successful achievements than Color, Ciaccona, and more recently, The Rocks under the Water, composed for the Cleveland Orchestra to celebrate a building by architect Frank O. Gehry. Meanwhile, the composer started a work on the orchestra, with the aim to explore all the potentialities, starting with the sound diffraction till the symphonic unit, sliding from one to another according to a generalized morphing principle. This innovative context lifted several modernism banning. He restored the consonance and the rhythmic pulsation, spread again the concerto genre, or some specific instrumentation of chamber music; he gave back to the voice the melodic fluidity, and had a rethink on the connection text/music.
NOTICE
Ce Concertino pour piano et orchestre à cordes fait partie d’un ensemble de six ou sept pièces, constituées autour d’une même partie de piano. Le projet est influencé par Le Bruit et la fureur de Faulkner, dont l’histoire, racontée par des narrateurs distincts, apparaît écrite de façon très différente d’un chapitre à l’autre. La pièce initiale, pour piano seul, qui constitue la base du cycle, doit réapparaître dans des contextes et des environnements divers, destinés à la transformer. Les pièces ainsi produites ne sont pas conçues pour s’enchaîner, elles sont plutôt pensées comme des variantes. La partie de piano étant identique d’une pièce à l’autre, des dialogues, qui ne peuvent apparaître dans la pièce pour piano seul, émergent en fonction de la formation, de la longueur des différentes pièces, constituées à partir d’un noyau semblable. La perception du morceau de piano s’en trouve donc changée. Si la répétition du morceau de piano n’est pas rigoureusement exacte, le cycle est, lui, rigoureusement interactif.
Ont, à ce jour, été composés, outre ce concertino, un trio pour violon, cor et piano, un quatuor pour piano et vents (Axiom, écrit pour le pianiste américain Emanuel Ax), un Concerto pour piano (écrit pour le pianiste norvégien Leif Ove Andsnes) ; sont également prévues une pièce pour piano et électronique et une autre pour piano et percussion.
Du point de vue de son écriture, ce Concertino pour piano et orchestre à cordes poursuit l’exploration que le compositeur a commencée il y a plusieurs années autour de la notion de champ harmonique. Cette exploration procède d’harmonies-timbres, qui proposent, entre autres, un nouveau type de consonance, basé sur des principes de réverbération sonore, issus de la musique électronique. Du point de vue de son genre, l’œuvre constitue à décliner toutes les relations possibles entre un instrument soliste et un ensemble, telles que le compositeur l’a fait dans ses pièces concertante précédentes (Concerto pour violon et orchestre, 1996, Antiphonie, double concerto pour clarinette et cor de basset, 1999, Concerto pour flûte, 2006…). Les trois mouvements qui s’enchaînent sans interruption s’enchevêtrent afin de procurer une impression de continuité.
Marc-André Dalbavie a conçu ce concertino comme une sorte de miniature qui inverse les caractéristiques du concerto pour piano, qui appartient au même cycle. A l’ampleur du concerto, le concertino répond par une dimension réduite. Si les processus thématiques arrivaient là, tous à leur terme, ils hésitent ici, bifurquent, s’interrompent. La profusion orchestrale du concerto est comme contestée par la discrétion de l’ensemble à cordes, alloué au concertino. Pourtant issues de la même matrice, les deux œuvres ont l’air de se disjoindre, de s’opposer, d’appartenir à des modèles différents.
Source : note de programme, Orchestre de Paris, concerts les 13 et 14 juin 2007.
NOTICE
Extrait du programme de concert de la Création En écrivant l’an passé cette oeuvre à l’attention du soliste de ce soir, Marc-André Dalbavie a ajouté un nouveau chapitre à une histoire sur le hautbois commencée en 1998, avec un solo, Interlude IV, et poursuivi en 2005 par un petit concerto, La marche des transitoires.
Jusque là, l'histoire concernait le changement du comportement d'un individu selon le contexte. Le hautbois se comporte d’une certaine façon pris isolément dans l’Interlude et est différent (tout en étant similaire) dans La marche pour ensemble. A présent, dans le concerto, c'est encore différent, en répondant et en défiant quelquefois le paysage musical, constamment rafraîchit, avec tout un orchestre symphonique autour de lui.
En même temps, ce nouveau concerto a sa place dans une histoire plus longue, celle du répertoire croissant du hautbois. Une autre motivation à l’écriture de ce concert (en plus de sa propre histoire avec le hautbois) vient de la virtuosité éblouissante apportée à l'instrument par le compositeur de hautbois Sicilien, Antonio Pasculli (1842-1924), dont les oeuvres incluent des opéras fantaisistes avec un flot de gammes à grande vitesse et d’arpèges. Ici le soliste doit faire preuve du même génie, sauf que, bien que nous ressentions le même étonnement, tout ce tourbillon n'est pas ornement et démonstration, mais plutôt la source de la musique, la spirale d’où sortent les sons et à partir de laquelle sont dessinés les motifs et les harmonies.
Aux leçons du 19ème siècle sur la mise en scène, s’ajoutent les idées musicales caractéristiques d'autres compositeurs tels que Wagner, Sibelius ou l'Effilochure, qui peuvent progressivement être aperçues ou disparaître, dans une brume de particules élémentaires.
Dans ce cas la brume s’élève de presque rien : d’un doux accord et d'un air. L’accord provient de l’habileté du doigté du soliste, avec le soutien et la projection des cordes jouant les harmonies ; l'air vient également du solo de hautbois, le son se distingue de mieux en mieux dans la descente circulaire chromatique ; rapidement d'autres bois se joignent à lui.
Peut-être incitée par l'harmonie dans la réunion des cordes, la roue se transforme en répétition de motifs à trois notes, amenant de la lumière et de la couleur. Les gammes exotiques et les harmonies pourraient suggérer le monde musical d'il y a un siècle : Debussy et Stravinsky jeune, mais avec une sorte de construction abstraite moderne. Les textures de répétition de notes et de styles ponctuent et stimulent le processus dynamique.
Finalement les formes de triolet s'unissent dans de grands tourbillons, impliquant toujours le soliste et les bois, puis les gammes et les arpèges s'apaisent progressivement dans la mélodie.
Les cordes étincelantes et le tintement des bois (avec le piano et la harpe) se rejoignent sur un Fa dans le registre aigu.
La musique ralentit et le hautbois commence à chanter.
Son chant, joliment doublé par le changement des groupes d'instruments, devient toujours plus chaud avant de se reposer sur le Fa dont il est issu.
Le soliste revient alors aux gammes et répond à un éclat de l'orchestre en répétant son accord d’ouverture. Pendant un bref instant il semble que l’oeuvre recommence à nouveau depuis le début, mais le final exubérant fusionne avec la première section tout en lyrisme, jusqu'au soliste, prenant la clef des champs, la musique s’élève alors et s’arrête nette.
Programme note © Poul Griffiths