Bent Sørensen is one of northern Europe’s most performed and admired composers. His triple concerto L’isola della Città was awarded the 2018 Grawemeyer Award for Music Composition, the so-called Nobel Prize for composition. Sørensen’s music is recognizable in an instant. In a mark of its resonance and significance, its signature sound has been imitated countless times.
The Danish composer first came to prominence in the 1980s. He found his voice early and never changed direction. If you were to map Sørensen’s style, his fellow composer Karl Aage Rasmussen has written, its development would resemble growth rings in a tree.
That style started to fix itself in the consciousness of the European music scene with the first performance of Sørensen’s 1993 violin concerto Sterbende Gärten (‘Decaying Garden’), which later won the Nordic Council Music Prize. The composer’s own programme note to the piece refers to the decaying, fading frescoes around Florence and Rome. ‘The way culture becomes nature over time has been an inspiration for all my pieces,’ Sørensen wrote.
Sørensen’s music floats and percolates of its own accord, haunted by remembrances of things past, often dragged down by a deep sorrow induced by exquisite beauty. Silence has become the aesthetic basis for much of Sørensen’s work, the ‘white wall’ that becomes increasingly dominant as the composer’s narratives resolve or, more likely, dissolve. Sometimes, a Sørensen score will instruct an entire symphony orchestra to lay down its instruments and hum quietly together. Sometimes, it will ask the orchestra’s musicians to walk off stage, one by one, until only one or two remain.
Many of Sørensen’s works have a habit of finding solace just when it’s too late. In his Trumpet Concerto, the solo instrument discovers its full voice after the piece has effectively finished. In his piano concerto La mattina, the piano tries to sing out the Lutheran chorale Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ but can only find the confidence to do so, for eight seconds, just as the curtain falls. In L’isola della Città (2017) the trio of soloists finally gets to play a consonant chord, a simply G minor triad, just as the concerto evaporates.
Despite its extreme emotional fragility, Sørensen’s music is that of pure aesthetic indulgence, crammed with as much beauty as is tastefully possible. He is a modernist composer who adores tonal intervals and allows himself to be seduced by the simple shape of a song or hymn. A spectral regard for colour and texture lurks underneath Sørensen’s harmonic and schematic principles, making space as important as time.
In his complementary movements to Johannes Ockeghem’s unfinished Requiem – a series of choral movements that spanned most of Sørensen’s career to date when they were gathered together in 2012 – we hear the twisting thread of the Renaissance polyphony the composer so loves. But it is rendered in Sørensen’s characteristic harmonic smudging; the music pulled between the magnetic poles of warm, Romantic tonality and rich, Schoenbergian atonality. The work laid foundations for Sørensen’s choral magnum opus, St Matthew Passion (2021).
Sørensen has worked in every classical music genre and pushed at their boundaries. His 2009 concerto for orchestra, choir, actors and audience Sounds Like You was conceived in part for the embracing auditorium of Jean Nouvel’s DR Concert Hall in Copenhagen and plants
musicians and actors throughout a large concert hall. The piece leads its audience into a mesmerizing existential dream. His full-length opera Under himlen (‘Under the Sky’) was staged at the Royal Danish Opera in 2004, four years after his pointillist piano concerto La notte (2008) was first performed by the BBC Symphony Orchestra and Rolf Hind.
L’isola della Città (‘The Island in the City’), for huge orchestra and piano trio, is full of Sørensen hallmarks. A Beethoven fugue drifts into the music like a ghost passing a window, while the entire wind section is asked to play secondary instruments (in this case, woodblocks). The work’s distilled textures reach a new height of wind-blown refinement in tandem with the composer’s own etched neo-classical counterpoint. The sense of latent orchestral power in the piece prompted Sørensen to begin work on a new symphony, Second Symphony (2019), to follow Symphony (1996).
Sørensen’s orchestral work Evening Land (2017) was written for the New York Philharmonic and subsequently performed throughout Japan by the Danish National Symphony Orchestra under Fabio Luisi. He has written for ensembles including the Bergen Philharmonic, Danish National Symphony, Munich Chamber and various BBC orchestras. In 2011, he was composer in residence at the Huddersfield Festival of Contemporary Music.
Sørensen has been Visiting Professor in Composition at the Royal Academy of Music in London and Professor in Composition at the Royal Danish Academy of Music in Copenhagen.
- Andrew Mellor, 2021
Trois solistes se réunissent en un seul trio, et fusionnent alors en un soliste unique. Un ensemble de musique de chambre entouré par un orchestre : une île au milieu de la cité.
Le Triple Concerto est une œuvre en cinq mouvements liés, et elle est jouée sans entracte. Trois mouvements courts (un prélude, un intermezzo et un adieu) se positionnent en cercle entre le deuxième mouvement, qui est initié par quelque chose qui – selon moi – est aussi étrange qu’une fugue au piano, et le quatrième mouvement impétueux et semblable à un scherzo : le trio tente d’échapper à l’orchestre. Dans le cinquième mouvement, l’envie de quitter l’orchestre devient évident car, silencieusement et discrètement, il s’enfuit subrepticement pour échapper aux ombres bruyantes de l’orchestre.
L’Isola della Cittá est écrit pour Trio con Brio et commandé par l’Orchestre Symphonique de la Radio Danoise et le Festival de Musique de Chambre de Trondheim.
"Vers 2014, cela m’a frappé : ce que j’avais le plus envie de composer, c’était une Passion selon Saint Matthieu.
Lorsqu’on atteint un certain âge, on prend conscience, en tant que compositeur, qu’on ne pourra pas tout composer, qu’il y a une limite. Alors, sans en parler à personne : ni aux éventuels commissaires, et ni aux institutions, etc., j'ai décidé que tout ce que j'allais composer désormais, allait me conduire à une Passion selon Saint Matthieu.
Évidemment, ce n’est pas exactement ainsi que les choses se sont passées. Entre-temps, j'ai composé de nombreuses œuvres qui n'ont rien à voir avec une Passion selon saint Matthieu ; mais entre mes « œuvres principales », il y en a quelques-unes, plus petites, pour chœur, auxquelles j'ai dit oui, car je pouvais les voir comme des tremplins vers mon objectif.
À travers ces œuvres – au fil de ces années – la forme et les ambiances de ma Passion ont progressivement pris forme, jusqu'à ce que j'aie suffisamment de tremplins pour annoncer que je voulais composer une Passion, ce qui a conduit à une co-commande entre le Festival international de musique religieuse d'Oslo et l'Orchestre symphonique national danois. Orchestre. La première mondiale était prévue pour le 22 mars 2020, mais en raison de la pandémie, la première mondiale aura désormais lieu le 12 mars 2021.
En 2018, j’étais enfin prêt, disposant de suffisamment de fragments pour commencer l’œuvre finale de ma Passion, et j’ai contacté Jakob Holtze et lui ai demandé de créer un texte pour l’œuvre, basé sur de nombreuses « contraintes», souhaits et fragments. Holtze avait déjà travaillé avec mon bon ami et collègue, malheureusement aujourd'hui décédé, Sven-David Sandstrøm, et avait créé le livret de sa Passion selon Saint-Jean.
L'idée de ma Passion était un voyage, une sorte de chemin de croix. Un voyage dans la brume – dans et hors de la lumière. Un voyage vers la crucifixion, mais plus encore un voyage vers la résurrection. J'avais ressenti ma propre foi, une foi en la résurrection plutôt qu'en la mort et la crucifixion.
Dans la musique – et dans mes choix de textes – se cachait une passion amoureuse.
Non seulement la déclaration d’amour du Christ à toute l’humanité, par la crucifixion et la résurrection, mais aussi l’amour simple et beau. La passion pour les gens que nous aimons. La passion qu'on ressent pour l’être aimé.
J'avais – comme je l'ai mentionné – le sentiment de voyager vers la Croix – de voyager dans et hors de la brume. Le sentiment de regarder sur les côtés, au loin, pour voir et lire des fragments de textes – comme des graffitis sur des immeubles ou des murs de maison. Ces textes rappelleraient au voyageur sa situation – sa vie, ses souvenirs. Un peu comme lorsque nous écoutons des paroles de chansons pop qui parlent de nous, alors que nous sommes au milieu de nos passions – de l'amour, du chagrin.
J’ai également décidé, avec Jakob Holtze, que le texte serait en anglais avec quelques passages latins (Crucifixus, Miserere, etc.). En fait, j’avais déjà commencé à chercher des textes anglais avec le mot « brume » pendant mes « tremplins ». J’ai aussi décidé que je ne voulais pas de récitatifs, comme dans la Passion de Bach quand Matthieu est présent. Dans ma Passion j'ai des textes de Matthieu, mais j'ai principalement choisi des textes de six poètes, trois femmes : Södergran, Akhmatova et Dickinson, et trois hommes danois : Frank Jæger, Ole Sarvig et surtout celui qui est lumineux (et mon ami) Søren Ulrik Thomsen.
Sur la base de mes souhaits, Holtze a créé exactement le texte que j'espérais. Dix mouvements – de « In Veils of Mist » – où l'on marche dans la brume, à « Betania », « Psaume », « Wild Nights », « Crucifixus », « Lament », « Tenebrae, « Magdalena », « The Shore Againg »– un voyage circulaire avec des souvenirs de la côte, de l'obscurité, de l'amour et de la crucifixion – vers 'Into the mist', où le voyage disparaît à nouveau avec ces derniers mots de Søren Ulrik Thomsen : « ...le bruit de mes pas va sur, dans la brume ».
Il est clair que lorsqu’on compose une Passion selon saint Matthieu, on travaille à l’inatteignable. La Passion selon Saint Matthieu de Bach est peut-être la plus grande œuvre d’art, tous genres confondus, jamais créée dans notre culture.
Il y a certes des ombres de Bach dans cette œuvre, mais une seule citation cachée. Lorsqu’ils chantent « Mon Dieu, mon Dieu, pourquoi m’as-tu abandonné ? », la mélodie du récitatif de Bach se cache sous la mienne."
- Bent Sørensen
Traduit de l’anglais
Cette pièce n’est pas une « Symphonie no 2 », mais une seconde symphonie.
Pour un certain nombre de raisons que je ne saurais pas bien expliquer, il est important pour moi de ne pas me « contenter » de numéroter dans l’ordre les symphonies afin de mettre l’accent sur le genre. Les titres, davantage que les genres, font partie de mes rêves, mes rêves qui se transforment en musique. Et Second Symphony est assurément à la fois un titre et une partie d’un rêve.
C’est exactement ce que je pensais lorsque j’ai composé (et voilà que j’ai failli écrire « ma première ») Symphony en 1996.
Second Symphony comporte quatre mouvements. Le premier s’ouvre par un cri. Le reste du mouvement forme un tout unifié, mais complexe, émaillé de traces des mouvements à venir, constamment en interaction avec le cri et ses échos.
Le deuxième mouvement est lent et assez mélodieux. Il avait d’ailleurs été joué en « bande-annonce », dans une version raccourcie et limitée en décembre 2018 au cours du programme télévisé danois Deadline.
Le troisième mouvement est un scherzo : fourmillant, rythmique, au cours duquel s’entremêlent des rencontres douces et violentes, presque physiques, à l’image d’actes d’amour entre les différentes strates musicales.
Le dernier mouvement est une chanson d’adieu : un au revoir. Un navire musical approche, pour finir par disparaître de nouveau. Tandis qu’à mes yeux, les mouvements précédents sont extrêmement contemporains, je sens poindre le passé dans le dernier mouvement : mon passé. Je cite Schreie und Melancholie, mon quatrième quatuor à cordes, et, dans ce mouvement, j’ai également été influencé Bent Sørensen par le décès de ma mère pendant la composition de la pièce. C’est peut-être un adieu que j’écris au travers de ma musique.
Bent Sørensen